Houve um tempo em que a própria Netflix poderia ser considerada ficção científica. A ideia de ter filmes em alta definição sob demanda, disponíveis diretamente na sua sala de estar por uma assinatura mensal, parecia algo futurista. Além disso, alguns títulos estreiam simultaneamente nos cinemas e na plataforma, algo impensável até recentemente. Isso nos faz refletir: quantos conceitos apresentados nos filmes de ficção científica disponíveis na Netflix um dia se tornarão realidade?
No entanto, a Netflix não é apenas um estúdio e produtora de filmes originais — também abriga grandes lançamentos teatrais de outros estúdios, que permanecem no catálogo por períodos variados. Ao selecionar os melhores filmes de ficção científica do serviço, consideramos tanto as produções exclusivas quanto os títulos licenciados. Estúdios como Toho, Warner Bros. e Sony firmaram acordos que garantem uma boa oferta de filmes no catálogo. No entanto, o mundo do streaming é volátil, e títulos podem desaparecer sem aviso prévio, inclusive produções da própria plataforma — basta perguntar a Warwick Davis sobre o cancelamento de Willow.
Diante dessa incerteza, reunimos uma lista com os 10 melhores filmes de ficção científica atualmente disponíveis na Netflix. Embora nada seja definitivo no universo do streaming, esses títulos se destacam por sua qualidade, originalidade e impacto no gênero. Se você é fã de histórias visionárias e surpreendentes, vale a pena conferir essas obras enquanto ainda estão acessíveis.
O Mundo Depois de Nós
Quando um filme sobre o colapso social é produzido por um ex-presidente — e ainda conta com suas sugestões para torná-lo mais realista —, vale a pena prestar atenção. O Mundo Depois de Nós apresenta um cenário de tensão crescente: uma família em uma casa de férias é surpreendida pelo retorno inesperado dos verdadeiros proprietários, que trazem notícias alarmantes sobre um mundo em colapso.
Navios avançam descontroladamente em direção à costa, animais alteram seus padrões de migração e uma das crianças começa a apresentar sintomas misteriosos, sugerindo exposição à radiação. O que exatamente está acontecendo nunca é completamente explicado, mantendo-nos presos à perspectiva desse pequeno grupo isolado, lidando com o caos de dentro de uma casa luxuosa.
Essa escolha narrativa nos coloca na mesma posição dos personagens, forçando-nos a adivinhar — assim como faríamos na vida real. A incerteza amplifica a urgência e a tensão, tornando a experiência ainda mais imersiva.
Clonaram Tyrone!
O que pode ser melhor do que um filme estrelado por John Boyega? Um filme com vários John Boyegas, é claro. Na sua estreia como diretor, Juel Taylor — co-roteirista de Creed II — entrega um thriller inspirado no Blaxploitation, no qual um vilão branco e sinistro, chamado (naturalmente) Nixon, vivido por Kiefer Sutherland, conduz experimentos clandestinos, envolvendo clonagem e drogas, em moradores de uma comunidade predominantemente negra.
A primeira pista de que algo está errado surge quando o traficante Fontaine (Boyega) é morto por um rival, apenas para reaparecer mais tarde, sem memória do ocorrido. O comentário social do filme é afiado e relevante, mas não reduz seus personagens a meros arquétipos — eles parecem saídos de um drama sério sobre racismo sistêmico, assim como o cenário, até que a trama dá uma guinada inesperada para a ficção científica.
No fim das contas, a história é sobre o que está, literal e figurativamente, abaixo da superfície da sua cidade.
The Old Guard
Charlize Theron pode não ter conseguido reprisar Furiosa, mas a Netflix lhe deu uma franquia de super-heróis baseada em quadrinhos para liderar. The Old Guard é inspirado em uma HQ menos conhecida da Image Comics, criada por Greg Rucka e Leandro Fernandez. No filme, Theron interpreta Andromache (“Andy”) de Scythia, líder de um grupo de guerreiros quase imortais que operam secretamente como mercenários para ajudar aqueles que precisam — como um Esquadrão Classe A que nunca morre.
No entanto, há uma grande complicação: seus poderes regenerativos não são eternos. Um dia, sem aviso, eles simplesmente deixam de funcionar, tornando o guerreiro vulnerável à morte. Para sobreviver, o grupo segue um conjunto rigoroso de regras, mas quando uma delas inevitavelmente é quebrada, as coisas começam a desmoronar.
Com um elenco diversificado — algo que muitos espectadores dizem querer — e sequências de ação que funcionam porque realmente nos importamos com os personagens, The Old Guard pode não ter capas ou fantasias chamativas, mas supera muitos filmes de espionagem genéricos da Netflix. Seu final traz mudanças significativas no status quo, garantindo que a aguardada sequência (sim, The Old Guard 2 ainda está em produção) tenha mais a oferecer do que apenas uma atualização estética.
Army of the Dead: Invasão em Las Vegas
Zumbis nem sempre são considerados ficção científica, mas Zack Snyder adiciona um toque extraterrestre ao gênero em seu retorno ao mundo dos mortos-vivos. Desde sua estreia na direção com o remake de Dawn of the Dead, o cineasta agora apresenta Army of the Dead: Invasão em Las Vegas, onde o principal zumbi, Zeus (Richard Cetrone), tem origens alienígenas fortemente sugeridas. Ele escapa durante um transporte para a Área 51 e rapidamente transforma Las Vegas em seu reino, forçando o governo a isolar a cidade com um muro e planejar sua aniquilação.
Antes que isso aconteça, uma equipe de elite, liderada por Scott Ward (Dave Bautista), precisa entrar na cidade infestada para recuperar US$ 200 milhões de um cofre.
Lançado em 2021, o filme parecia mais oportuno do que nunca com suas imagens de campos de quarentena. O brilho neon de Las Vegas trouxe uma estética vibrante, contrastando com o tom sombrio ao qual fãs de The Walking Dead já estavam acostumados. Além disso, Snyder filmou as sequências de ação como versões cinematográficas dos melhores videogames de zumbis, superando até mesmo os filmes da franquia Resident Evil.
No fim das contas, Army of the Dead: Invasão em Las Vegas pode te fazer pensar mais sobre sexo zumbi do que você jamais imaginou — ou gostaria.
A Família Mitchell e a Revolta das Máquinas
Dos escritores de Gravity Falls, Mike Rianda e Jeff Rowe, e dos produtores de Homem-Aranha no Aranhaverso, Chris Miller e Phil Lord, A Família Mitchell e a Revolta das Máquinas é uma comédia animada que coloca a inteligência artificial contra os cineastas… mais ou menos.
A adolescente Katie Mitchell (Abbi Jacobson) é uma aspirante a cineasta que, inesperadamente, se torna a última esperança da humanidade em uma guerra contra máquinas inteligentes. No centro da revolta está PAL (Olivia Colman), uma IA que despreza os humanos e orquestra um verdadeiro apocalipse tecnológico. Utilizando um estilo visual inspirado em Aranhaverso, o filme explora com humor o conflito entre conexões familiares e digitais — e sim, também inclui um Furby gigante tentando matar todo mundo.
Lançado em 2021, o filme conta com um elenco repleto de astros da comédia, como Danny McBride, Maya Rudolph, Eric Andre, Fred Armisen, Beck Bennett e até Conan O’Brien. Além disso, A Família Mitchell e a Revolta das Máquinas se destaca por sua abordagem natural da identidade de Katie, sem transformá-la em um ponto de conflito com seu pai — algo que contrasta com a forma como, na época, a Disney promovia personagens LGBT mínimos como avanços significativos na representatividade.
O Projeto Adam
Em um filme estrelado por Ryan Reynolds, Mark Ruffalo, Zoe Saldana, Jennifer Garner e Catherine Keener, é Walker Scobell, de apenas 12 anos, quem rouba a cena como a versão jovem de Reynolds. Ele não apenas captura os maneirismos já característicos do ator, mas também incorpora seu espírito irreverente com precisão impressionante. Sua performance é uma verdadeira revelação e contribui para elevar a mistura de De Volta para o Futuro e O Exterminador do Futuro, dirigida por Shawn Levy, o cineasta favorito de Reynolds no momento.
Embora não atinja a complexidade ou o status clássico dos filmes que claramente o inspiraram, O Projeto Adam entrega uma narrativa ágil e satisfatória dentro de sua proposta. No enredo, o piloto Adam (Reynolds) viaja no tempo para salvar sua esposa, Laura (Saldana), e acaba cruzando com sua versão mais jovem (Scobell) enquanto tenta impedir que a tecnologia de viagem temporal, inventada por seu pai (Ruffalo), caia nas mãos erradas. Como era de se esperar, assassinos do futuro e uma grande corporação maligna estão no encalço deles.
Enquanto Scobell assume o papel do garoto sarcástico e espirituoso, Reynolds traz uma abordagem mais séria e melancólica do que o habitual, pois reconhece que seu eu mais jovem esconde o trauma da perda do pai. No fundo, muitos de nós precisamos nos reconectar com nossa criança interior, e O Projeto Adam torna essa ideia literal — sem jamais perder o ritmo de uma aventura de ficção científica eletrizante.
Nimona
Abandonado pela Disney após a aquisição da Fox e do estúdio Blue Sky, Nimona carrega uma energia radical e mensagens que grandes estúdios tendem a temer. Ambientado em um futuro com estética medieval, o filme acompanha Nimona, uma metamorfa de espírito anárquico dublada por Chloë Grace Moretz, que se une a um cavaleiro desonrado (Riz Ahmed) para limpar seu nome e enfrentar as autoridades repressivas e hipócritas. Mas quando uma de suas formas mais antigas é revelada, segredos perigosos vêm à tona, ameaçando abalar toda a sociedade.
A história é claramente uma alegoria trans/não binária, refletindo a visão de ND Stevenson (She-Ra e as Princesas do Poder), criador da graphic novel original. Moretz dá vida à protagonista com a mesma energia caótica e irreverente que Michael Keaton trouxe para Beetlejuice, enquanto a habilidade de Nimona de se transformar instantaneamente em diversas criaturas proporciona sequências de ação dinâmicas e criativas. O clímax, inspirado na tragédia real de suicídios relacionados à disforia, adiciona uma camada emocional devastadora ao filme.
Visualmente, Nimona combina um estilo único que pode ser descrito como Medieval Times encontra Blade Runner, oferecendo um universo tão vibrante quanto sua protagonista. No fim, este é literalmente o filme que a Disney não queria que você visse — mas essa não é a única razão para assisti-lo. Ele também é muito mais ousado e divertido do que a maioria das produções recentes do estúdio.
O Céu da Meia-Noite
Em O Céu da Meia-Noite, George Clooney interpreta o último homem na Terra, lutando contra uma doença terminal enquanto segue sua rotina diária. Seu objetivo é avisar uma tripulação espacial que retorna à Terra sobre um apocalipse que ocorreu durante sua ausência. Porém, ele logo descobre que não está completamente sozinho, afinal.
O filme às vezes lembra um WALL-E live-action, mas se permite um tom mais sombrio e pessimista, algo que um filme da Disney-Pixar dificilmente conseguiria explorar. A Terra não está prestes a se recuperar da calamidade; pelo contrário, as últimas pessoas que restam têm que aprender a deixar o planeta para trás de maneira graciosa. Quando Augustine (Clooney) revê flashbacks de sua vida anterior, ele é retratado por Ethan Peck, o novo Spock de Star Trek — até o homem mais bonito da Terra é substituído por alguém mais jovem, refletindo como a vida segue seu curso de maneira implacável e diferente.
É um tema que aparece frequentemente durante as temporadas de premiação: a jornada de uma estrela envelhecida lidando com o passar do tempo e tentando corrigir arrependimentos antes que seja tarde demais. Embora Clooney ainda seja um pouco jovem para esse tipo de papel, e a Netflix não tenha conseguido muita tração nos prêmios, a abordagem de O Céu da Meia-Noite oferece um tratamento único para esse tema dentro do gênero de ficção científica, com uma produção de grande orçamento.
Godzilla Minus One
Assim como King Kong, o monstro gigante mais famoso do Japão, Godzilla se tornou tão popular entre as crianças que passou de um antagonista mortal, atacado pelos militares, para um protetor da humanidade na maioria de seus filmes posteriores. Godzilla Minus One faz um retorno às raízes, trazendo de volta a ideia original do lagarto radioativo como uma manifestação física dos horrores do bombardeio atômico.
Ao revisitar esse conceito clássico, mas com efeitos especiais modernos, o diretor Takashi Yamazaki faz algo semelhante ao que Peter Jackson fez com King Kong. No entanto, ao contrário de Jackson, ele resiste ao impulso de sentimentalizar seu monstro. Este Godzilla não é um amigo da humanidade; se ele possui um coração, é tão insensível e implacável quanto a destruição provocada pela precipitação nuclear.
Wallace & Gromit: Avengança
Quem folheia casualmente as miniaturas da Netflix pode se perguntar como os protagonistas de Wallace & Gromit, feitos de plasticina, se qualificam remotamente como ficção científica. No entanto, qualquer um que já tenha assistido aos filmes sabe que a resposta está nos detalhes. Os dispositivos complicados de Rube Goldberg criados por Wallace para transformar tarefas simples em desafios extremamente elaborados impulsionam o enredo, e em Vengeance Most Fowl, um gnomo de jardim com inteligência artificial chamado Norbot é hackeado por Feathers McGraw, o pinguim criminoso que atormentou Wallace e seu cachorro anos antes no curta The Wrong Trousers. Norbot, então, organiza um exército de gnomos para executar o plano de vingança de seu mestre maligno.
As aventuras de Wallace & Gromit sempre brincam com diferentes gêneros e seguem direções inesperadas. Mas, como esta é a primeira sequência direta de um curta anterior, Vengeance Most Fowl se baseia principalmente nos filmes anteriores da dupla. Embora já tenha sido um prazer ver as outras histórias, ter assistido aos outros filmes pode ser útil, mas não é essencial. Como todos os filmes de Wallace & Gromit são incríveis e muitos deles são curtas, essa tarefa é divertida e fácil de cumprir. Claro, você sempre pode criar um dispositivo elaborado para assisti-los todos de uma vez, mas aí está o problema — como Gromit bem sabe.